Richard-Max Tremblay

Francais (EN below)

Biographie

Richard-Max Tremblay vit et travaille à Montréal depuis 1972. 

Après avoir complété sa formation au Goldsmith’s College de Londres, Richard-Max Tremblay poursuit une pratique en peinture et en photographie. Les années ’80 et ’90 sont ponctuées d’expositions au Québec et en France dont celles du Centre culturel canadien à Paris et des Services culturels de la Délégation générale du Québec à Paris.

Les expositions Hors Champ II (peinture), 2014 et Déboîtements (photographie), 2015 traitent de la fragilité de la mémoire et de l'archive. Son travail depuis plus de quarante ans évolue autour de la notion du "caché", de l'absence, du manque, de l'occulté.

Il obtient une résidence au Studio à Paris du Conseil des arts du Canada (CAC) en 2014. Ce travail qui l'amène aussi à Berlin et Venise fera l'objet de l'exposition Caché, au printemps 2017, à la galerie Division. Cette exposition se présente également comme une synthèse du parcours de l'artiste.

Une rétrospective initiée par les commissaires Sarah Boucher du Musée des beaux-arts de Sherbrooke (MBAS) et Caroline Loncol Daigneault de la galerie d'art de l'Université de Sherbrooke (maintenant rebaptisée Galerie Antoine-Sirois) est en préparation pour l'automne 2022 avec publication et circulation. La commissaire Suzanne Pressé est chargée de ce projet 

Récipiendaire du Prix Louis-Comtois 2003.

Récipiendaire du fonds en fiducie de l'Académie royale des arts du Canada (RCA) 2015

 

Démarche artistique

Peintre et photographe, j'ai consacré ma carrière à explorer les relations entre le vrai, le non- vrai, l’expression et la suggestion, la disparition et l’apparition, le caché, l’absence, l’obstacle qui empêche de voir. Ma récente exposition Éclipse présentée simultanément au Musée des beaux-arts de Sherbrooke, pour le volet peinture et à la galerie d’art Antoine-Sirois de l’Université de Sherbrooke, pour le volet photographie réunissait plus de 145 oeuvres sur une période 45 ans. Ces expositions témoignaient des domaines de recherches à la croisée de la photographie et de la peinture.

Suite à mes études en arts visuels, en peinture, à Montréal d'abord, à l'UQAM, ensuite à Londres au Goldsmith's College of Art, University of London, j'ai démarré une carrière essentiellement comme peintre bien que la photographie est devenue petit à petit un outil incontournable de ma pratique.

Le tableau, huile sur toile, Loggia, s'inscrit dans cette démarche mentionnée ci-haut, du caché, de l'obstacle, de ce qui empêche de voir. La loggia est un type de balcon à l'italienne. Vu de l'intérieur, deux rideaux fermés laissent entrevoir par l'interstice une ouverture sur un ciel bleu. Mon intention était de montrer les rideaux, et la lumière du soleil qui vient accentuer les volumes des plis des rideaux dans l'ouverture. L'idée est de ne pas montrer le ciel qu'on aimerait bien voir.

Exposition en cours - ouverture le 7 mai 18h-21h

Pendant les cinquante dernières années environ, je me suis particulièrement intéressé à la notion du caché dans le portrait photographique, la notion d'absence, du vrai, du non-vrai, de ce qui n'est pas montré, de l'obstacle qui empêche de voir... comme si, toute réalité, passée ou présente quelle qu'elle soit, en cachait toujours une autre, inconnue ou obscure et ce, autant dans mon travail de peintre que de photographe. Je pense souvent au portrait comme une façon d'appréhender cette notion de l'archéologie du visible... les portraits par exemple d'une même personne aux âges de 15, 35, 50 et 70 ans révèlent cette archéologie du visible qui constitue une face de l'archéologie de la mémoire. Cette question m'a toujours fasciné.  Tout portrait véhicule, cache et propose tout en même temps... une vérité, une réalité qui appartient à une histoire, et nous percevons les traces de cette histoire qui peut ou non nous être révélée. J'ai toujours réalisé des portraits dans une approche de la "rencontre". Jamais je n'ai accepté de faire des portraits de "commande". Je propose à la personne de faire un portrait ... et ça, c'est le point de départ. Alors effectivement, un portrait, c'est d'abord une rencontre.

 Je pense souvent à la citation du cinéaste iranien Asghar Farhadi qui disait: "On ne sait jamais quel passé nous attend". Les thèmes relevant d'une archéologie de la mémoire, en référence à l'oeuvre du romancier et essayiste allemand W.G. Sebald ont été récurrents pendant toutes ces années. Sebald a été au coeur de mes préoccupations depuis l'année de son décès en 2001, l'année où je découvre son oeuvre. Plusieurs auteurs, poètes, romanciers et essayistes m'ont accompagné durant toute ma carrière, je pense à Beckett, Pérec, Kafka, Kundera, Borges, Auster, Marquez et plusieurs femmes dont Marguerite Yourcenar, Simone Weil, De Beauvoir, Duras, et d'autres plus contemporaines comme Denise Desautels, Cécile Ladjali et Nicole Brossard pour qui d'ailleurs j'ai contribué avec un dossier photographique dans Le Désert Mauve, paru en 1987.

La photographie et la peinture se sont toujours côtoyées dans mon travail, l'un apportant à l'autre différentes façons de voir, de percevoir et de découvrir ce qui m'entoure. J'ai toujours abordé le portrait comme une façon de développer une complicité dans la rencontre.

English (FR en haut)

Biography

Richard-Max Tremblay has lived and worked in Montreal since 1972.

After completing his studies at Goldsmiths College in London, Richard-Max Tremblay pursued a practice in both painting and photography. The 1980s and 1990s were marked by exhibitions in Quebec and France, including shows at the Canadian Cultural Centre in Paris and the Cultural Services of the Quebec Delegation in Paris.

His exhibitions *Hors Champ II* (painting, 2014) and *Déboîtements* (photography, 2015) explore the fragility of memory and the archive. For over forty years, his work has evolved around the notions of the "hidden," absence, loss, and concealment.

He was awarded a residency at the Canada Council for the Arts (CCA) Studio in Paris in 2014. This project, which also led him to Berlin and Venice, culminated in the exhibition *Caché* at Division Gallery in the spring of 2017. This exhibition also served as a synthesis of the artist's journey.

A retrospective initiated by curators Sarah Boucher from the Musée des beaux-arts de Sherbrooke (MBAS) and Caroline Loncol Daigneault from the University of Sherbrooke Art Gallery (now renamed Galerie Antoine-Sirois) is being prepared for fall 2022, with an accompanying publication and tour. Curator Suzanne Pressé is overseeing this project.

Recipient of the 2003 Louis-Comtois Award.

Recipient of the Royal Canadian Academy of Arts (RCA) Trust Fund Award in 2015

Artistic Approach

As a painter and photographer, I have dedicated my career to exploring the relationships between the true and the untrue, expression and suggestion, disappearance and emergence, the hidden, absence, and the obstacles that prevent us from seeing. 

My recent exhibition *Éclipse*, presented simultaneously at the Musée des beaux-arts de Sherbrooke (painting component) and at the Antoine-Sirois Art Gallery at the University of Sherbrooke (photography component), brought together over 145 works spanning a period of 45 years. These exhibitions reflected areas of research at the crossroads of photography and painting.

After completing my studies in visual arts and painting first in Montreal at UQAM and later at Goldsmiths College of Art, University of London, I began a career primarily as a painter, although photography gradually became an indispensable tool in my practice.

The painting *Loggia*, oil on canvas, fits within the aforementioned approach, focusing on the hidden, the obstacle, and what prevents us from seeing. A loggia is a type of Italian-style balcony. Seen from the inside, two closed curtains reveal, through a narrow gap, an opening onto a blue sky. My intention was to highlight the curtains and the sunlight accentuating the folds in the fabric at the opening. The idea is not to show the sky that one would like to see.

Exhibit on view - Opening on May 7th 6PM- 9PM

Over the past fifty years, Richard-Max Tremblay has been particularly drawn to the notion of the hidden in photographic portraiture — the idea of absence, of the true and the untrue, of what remains unseen, of the obstacles that prevent vision. His work, both in painting and photography, suggests that every reality, whether past or present, conceals another, unknown or obscured.

Tremblay often considers the portrait as a way of approaching the "archaeology of the visible." For example, portraits of the same person at the ages of 15, 35, 50, and 70 reveal an archaeology of the visible that mirrors the archaeology of memory — a notion that has consistently fascinated him. Every portrait, in his view, simultaneously conveys, conceals, and proposes a truth or a reality that belongs to a personal history, traces of which may or may not be revealed to the viewer.

Portraiture, for Tremblay, has always been rooted in the idea of a "meeting" or encounter. He has never accepted commissioned portrait work; rather, he proposes the idea of a portrait to a subject, and from there, the work begins. For him, every portrait starts with a genuine encounter.

He often reflects on a quote by Iranian filmmaker Asghar Farhadi: "We never know what past awaits us." Themes of memory and the archaeology of memory, influenced by the work of German novelist and essayist W.G. Sebald, have been recurring throughout his career. Sebald's writing, which Tremblay discovered in 2001 — the year of Sebald's death — has remained central to his reflections ever since.

Throughout his career, many authors, poets, novelists, and essayists have accompanied and inspired him, including Samuel Beckett, Georges Perec, Franz Kafka, Milan Kundera, Jorge Luis Borges, Paul Auster, and Gabriel García Márquez, along with women writers such as Marguerite Yourcenar, Simone Weil, Simone de Beauvoir, Marguerite Duras, and more contemporary voices like Denise Desautels, Cécile Ladjali, and Nicole Brossard. Tremblay notably contributed a photographic portfolio to Brossard’s Le Désert Mauve, published in 1987.

Photography and painting have always coexisted in Tremblay’s practice, each enriching the other and offering different ways of seeing, perceiving, and discovering the world around him. His approach to portraiture has always been a means of fostering complicity and genuine connection through the encounter.